Teatro

Bienvenid@s a la sección de libros sobre teatro: Aquí encontrareis libros sobre la Historia y sociedad, Géneros e instituciones, Autores y actores, Dirección y dramaturgia. Compra en línea eligiendo en una amplia selección en la tienda de libros electrónicos sobre las grandes obras contemporáneas.

El teatro

El género teatral compone gran parte de la literatura, y ésta, desde la antigüedad hasta nuestros días. El teatro, ya sea leído o representado, tiene una especificidad: puede ser argumentativo o controvertido entre otros. El teatro es una forma viva de la literatura, que se presta a la defensa de las ideas, a través de sus diálogos, que pueden tomar forma argumentativa, ya través de su doble enunciación. Permite así la oposición a determinadas ideas de forma más o menos indirecta y es accesible a todos. Pero el teatro no se lee ni se escucha con la suficiente atención, volcado hacia los argumentos del autor. De hecho, el teatro se presenta como entretenimiento. Además, el autor tiene que lidiar con la censura y los malentendidos con los espectadores.

Un medio ideal para la defensa de las ideas

Para el autor, el teatro se presenta como un medio ideal para presentar y defender sus ideas por su propia forma permitiendo el uso del registro polémico, y la doble enunciación (el personaje o actor se dirige no sólo al resto de personajes presentes en el escenario, avanzando la trama, sino también al espectador); a través de esta forma, puede permitirse una oposición más o menos importante a la sociedad ya que habla a través de un personaje. Por último, el teatro es accesible a todos y permite una espectacular propagación de ideas, mediante el apoyo escrito y especialmente oral.

La doble enunciación permite al autor involucrarse más en sus comentarios: se permite una oposición más o menos importante a la sociedad. Utiliza una forma indirecta de implicar sus ideas en la diatriba de uno de sus personajes. Los monólogos en particular permiten una reflexión más profunda sobre la sociedad, ya que el personaje se enfrenta a sí mismo (y al espectador): Larga diatriba de Fígaro en las bodas de Fígaro que desafía el orden social.

Otra ventaja del teatro parece ser su facilidad de acceso a la mayoría de la población: la difusión por dos modos, y principalmente por el de ser representado. El teatro se abre a un público más amplio. De esta forma, las ideas del autor pueden difundirse mejor. La observación de las piezas de Molière confirma este aspecto. Molière, gran dramaturgo y actor, ha creado una gran cantidad de comedias críticas en las que muestra los defectos de la sociedad. El género L’Avare de par son, una comedia clásica, es de fácil acceso y los espectadores tienen así acceso a las ideas y críticas de Molière.

¿El soporte puede no ser tan ideal?

El teatro puede no ser un medio ideal para presentar ideas: el espectador puede no tomarlas en serio o, peor aún, no entenderlas: las obras pueden ser censuradas: Las obras cómicas de Molière son sensibles a al lector. Las risas estallan durante la actuación, las piezas con tramas fáciles son muy comprensibles. Pero, ¿qué pasa con las ideas transmitidas? Es posible que no se tomen en serio y que la historia suplante a las críticas. El avaro es, pues, una parte ambigua para la transmisión de ideas. ¿Recordaremos el ridículo personaje de Harpagon o la moral transmitida por la historia sobre la avaricia? Los autores al criticar demasiado abiertamente las fallas, por atacar a grupos de la sociedad más que a otros, puede ser censurado: sus piezas no pueden ser representadas antes de haber modificado extractos o incluso el libro completo: Matrimonio de Fígaro que tenía problemas de censura. El libro desafía el orden social, ataca la justicia y denuncia la injusta condición de la mujer. 

El autor no sólo debe temer que no sea lo suficientemente explícito, y que los espectadores no perciban el mensaje, por el contrario, que sea demasiado explícito, corriendo el riesgo de ser censurado, sino que también debe ser cauteloso con el mensaje. lector que puede no comprender el punto de vista del autor y cometer errores de interpretación. Han modificado extractos o incluso el libro completo: Matrimonio de Fígaro que tenía problemas de censura. El libro desafía el orden social, ataca la justicia y denuncia la injusta condición de la mujer. El autor no solo debe temer que no sea lo suficientemente explícito, y que los espectadores no perciban el mensaje, por el contrario, que sea demasiado explícito, corriendo el riesgo de ser censurado, sino que también debe ser cauteloso con el mensaje. lector que puede no comprender el punto de vista del autor y cometer errores de interpretación. 

Han modificado extractos o incluso el libro completo: Matrimonio de Fígaro que tenía problemas de censura. El libro desafía el orden social, ataca la justicia y denuncia la injusta condición de la mujer. El autor no solo debe temer que no sea lo suficientemente explícito, y que los espectadores no perciban el mensaje, por el contrario, que sea demasiado explícito, corriendo el riesgo de ser censurado, sino que también debe ser cauteloso con el mensaje. lector que puede no comprender el punto de vista del autor y cometer errores de interpretación.

Las virtudes del monólogo

El monólogo permite expresar los conflictos de forma intensa en el escenario. De hecho, solo en el escenario, lejos de los oídos de otros personajes, el héroe puede decirlo todo, puede revelar sus secretos más íntimos. Así, gracias al monólogo, el espectador conoce la verdad sobre el personaje y comprende mejor los conflictos reales de la obra. Cuando se levanta el telón, el espectador del paciente imaginario, una chirriante comedia de Molière, descubre a Argón, echando espuma de rabia y rabia contra sus médicos que no lo tratan lo suficiente, su familia que lo abandona, sus criados que muestran negligencia . Este exceso revela al público que el verdadero conflicto de la obra no es la lucha de un enfermo, abandonado por todos, por sobrevivir, sino la lucha de un hombre contra sí mismo. la lucha de un hombre enfermo de soledad contra su vigorosa salud a pesar de todo. El espectador, en esta relación privilegiada con el héroe, vacila así entre la risa burlona y la piedad. El monólogo puede por tanto expresar conflictos individuales o colectivos, establece una relación privilegiada entre el personaje y el público.

Las virtudes del diálogo

La forma del diálogo teatral ofrece al dramaturgo la posibilidad de multiplicar los puntos de vista, y así arrojar mejor luz sobre un conflicto. De hecho, el espectador puede hacer una vida más justa del conflicto entre los personajes. Así, en Antígona, Ismène y su hermana presentan un retrato antagónico y radicalmente diferente de su tío Creonte. Ismene ve en su tío un ser poderoso y sujeto a las leyes del poder mientras Antígona niega su poder haciéndolo inexistente en sus líneas. Vemos, por tanto, que se establece un conflicto entre un alma sumisa y débil y una mujer fuerte y libre. El enfrentamiento de los dos personajes actualiza su carácter y prohíbe al espectador adherirse plenamente al discurso de uno u otro.

La voz

La palabra publicada por la voz del actor permite dar cuenta de la violencia de los conflictos. En efecto, la voz no solo hace que se escuchen las palabras, te hace escuchar una excitación, una tensión, una vacilación … Un suspiro, una voz que de repente se rompe en un sollozo, un grito gutural decir tanto como algunos réplicas. Así, en la isla de los esclavos, Arlequín concluye una de sus respuestas a Ifícrates de una manera bastante banal: la frase amenaza entonces a Ifícrates, cuyo gesto entendemos entonces como desesperación. Así, la oralización de las respuestas pone de relieve la fuerza de los conflictos que encuentra en ella todo su significado.

El gesto

El gesto también puede sustentar un enfrentamiento, especialmente cuando se trata de varios personajes. En Romeo y Julieta de Shakespeare, una escena enfrenta a Romeo contra Tybalt: los dos personajes, que representan a dos familias que se han odiado durante varias generaciones, se enfrentan antes de enfrentarse en un duelo de equipos donde Tybalt finalmente encuentra la muerte. El conflicto central de la obra se expresa en las palabras del odio, pero también y sobre todo en la violencia de los cuerpos, en imágenes que despiertan la emoción del espectador. Los gestos cuya comprensión es casi universal, regresan al conflicto, que en el papel podría parecer abstracto, su violencia inmediata.

El vestuario

El vestuario que usan los actores en el escenario puede significar y mostrar inmediatamente tensiones o conflictos entre personajes. No son aquí las palabras las que traducen y expresan la disputa, sino la apariencia misma de los personajes. En Las manos sucias de Sartre, ¿por qué no imaginar al joven Hugo, vestido con ropa de segunda mano algo raída, que transmitiría su gusto por lo ideal y su desapego a las contingencias materiales, mientras Hoederer podría llevar un traje de tres piezas de colores estrictos y llevar una decoración en el pecho, para significar que es un emblema de poder y orden establecido? Este antagonismo en los atuendos tal vez mostraría mejor que cualquier discurso, cuánto se oponen las visiones del mundo de estos personajes.

Accesorios

Los objetos permiten visualizar un conflicto que no se puede expresar con el habla ni con los gestos. A la espera de Godot de Samuel Beckett, Lucky, un esclavo privado de toda humanidad y partiendo de todas las palabras, no puede expresar sus sentimientos, pero la soga que lleva alrededor del cuello basta para despertar la revuelta de Vladimir y Estragón y la de los público, para crear un conflicto entre los defensores de la humanidad y quienes la abruman. Por tanto, los elementos materiales de la actuación también contribuyen a la puesta en escena y potenciación de los conflictos.

El teatro debe presentar a los hombres como son en aras de la psicología de la verdad, porque la comedia a menudo se basa en el realismo, para que el público pueda aprender de ella. El teatro debe presentar a los hombres cómo deben ser porque solo los héroes hacen soñar a las personas, para elevar moralmente, para cambiar el mundo. El teatro parece presentar a los hombres cómo no deberían ser: infundiendo terror y piedad en la tragedia, mostrándonos caricaturas de hombres, especialmente en la comedia.

La ilusión teatral

La actuación, cuando anula la distancia entre el personaje y la persona, puede servir a la ilusión. Entonces hay una confusión entre el lugar de la representación y la realidad. Esta pérdida de referencia genera la ilusión. Por tanto, existe confusión entre el personaje y la persona. De hecho, los actores actúan de forma natural, utilizando su experiencia emocional para actuar. Por tanto, se inspira directamente en sus experiencias. El teatro juega con la identificación entre espectador y actor. De hecho, a primera vista, lo que gana el apoyo del espectador es lo que copia la realidad. Los actores interpretan sentimientos y pasiones universales que ya ha experimentado el espectador. El teatro para crear la ilusión, juega con la puesta en escena de conflictos y problemas reales. La ilusión también proviene del hecho de que el teatro expone temas sociales o políticos directamente inspirados en la realidad. El actor pone entonces su juego al servicio de los conflictos inherentes a los hombres.

El espectáculo se compone principalmente de elementos visuales pero también incluye elementos auditivos. La música y los efectos de sonido también pueden definir el ambiente de la habitación. La sensación es bastante diferente cuando estás en una habitación y presencias una actuación. Permite tener una visión diferente de la obra, a través de la mirada del director.

Otros libros que te pueden interesar

Compartir